Distracción virtual

Exhibition at "El Hotel PACHA" - Ibiza
http://www.hedunckel.info/SLIDEshows/El_Hotel_PACHA/index.html

En la muestra actual en El Hotel, voy a presentar tres técnicas, con las que suelo trabajar últimamente: “pics from pics”, “real overlay” y “distorsion”. He empezado en mi juventud de hacer experimentos con mi camera. La causa de mis experimentos con la fotografía de distorsión en concreto ha sido la tranvía del transporte público en mi ciudad natal de Hamburgo. Más concretamente, la línea de tranvía N° 11, que pasaba en la carretera en frente, y bajo ciertas condiciones climáticas, en la sala de estar por detrás, la imagen en la pantalla del televisor salió distorsionada. Estos disturbios provocaron agresiones entre los hombres aficionados al fútbol, durante las transmisiones importantes de la liga o de los partidos del campeonato del mundo, pero despertaron en mí unas indefectibles ganas de exploración estética. He tenido a una cámara propia desde el año 1962, y no recuerdo exactamente cuando hice las primeras pruebas de fotos distorsionadas, pero si que puedo recordar que he reconocido con rapidez el retrato (por ejemplo, de los presentadores de noticias o de otros locutores) como un motivo de distorsión ideal. He cogido como “modelo” una foto grande de Marilyn Monroe, para trabajar sobre este efecto, y se muestra dos imágenes iluminadas y una imprimida en aluminio en El Hotel.
La técnica “pics from pics” se reduce a la captura de detalles de fotos pequeñas, manipulando las con iluminaciones poco habituales, proyectando estas en escenarios con personas, y tomar de nuevo fotos de estas imágenes. La técnica “real overlay” consiste en capas reales de transparencias fotografiadas con contraluz. Para dar vista a estas técnicas estoy empleando la última generación de impresoras del “direct-print”, imprimiendo con un efecto muy parecido a la serigrafía tradicional, pero en digital, y sobre medios contemporáneos, en vez del papel fotográfico de siempre. Esto distingue mi obra por completo de la fotografía convencional, porque no es mi meta ofrecer fotos en una presentación distinta, sino radicar el uso de una camera digital, hasta el punto de pintar con ella. De este modo mis intervenciones en el ordenador se reducen a un mínimo, cambiando sobre todo tonalidades y contrastes. Entonces elementos gráficos muy reales se convierten en distracción virtual, tal como lo conocemos desde el arte clásico, pero hoy lo sale del ordenador.
A finales del siglo pasado se presentaron por primera vez obras artísticas, en las que aceptaban el mundo tecnológico moderno, no sólo como un hecho, pero aún más integrado en la expresión estética. Esta actitud se reconoció muy claramente y como inicial en las pinturas de los cubistas. Ahora, cien años después, se ha hecho el mismo paso, que se expresó una vez por los pintores con sus pinceles, pero tomado por una cámara digital. Así la fotografía de distorsión marca en paralelo un igualmente importante paso, en la historia del arte y en la historia de la fotografía, tal como se terminó en su tiempo en la pintura, a partir de unas imágenes modernas pero aún tradicionales, hacia el cubismo. Entonces, medio siglo después de mis primeros intentos, estoy contento de poder presentar ahora resultados visuales satisfactorios de mis investigaciones. Se demuestra: el arte de la informática no existe, porque la electrónica está ahí, pero que los equipos modernos permiten seguir lo que se inició sin ellos y sus logros, ya que sin ordenador la fotografía digital sería impensable.
La digitalización nos anima a aceptar otras, distintas informaciones y puntos de vista. Un mundo nuevo e infinito de "disonancia cognitiva" está disponible para ayudarnos a disgustar algunos cuidadosamente elaboradas estructuras de creencias, que mantienen las puertas cerradas a nuestro futuro. Es por eso que la fotografía digital no sólo debe ser simplemente fotografía tradicional con una cámara digital - no: tiene que ser experimentada como algo completamente nuevo. La aplicación de la imaginación hacia unas imágenes del futuro, requiere un entorno en el que yuxtaposiciones e ideas nuevas puedan expresarse libremente antes de ser críticamente cernidas.
En el año 1976 Ion Pascadi escribió en la Revista Rumana: "Los medios de comunicación modernos no se pueden quedar aislados de la influencia que transmiten, la visión de una civilización en imágenes múltiples provoca la creación de una nueva sensibilidad, la electrónica y la cibernética no sólo están cambiando el carácter de las obras de arte, sino a veces incluso su existencia, y los ordenadores nos abren perspectivas aún más inesperados, no sólo para la reproducción de las imágenes ya existentes, sino también para poder lograr a otras nuevas creaciones ". La creatividad se muestra aquí como un fenómeno obviamente no lineal, en cualquier momento capaz de dar luz a la innovación real en el arte contemporáneo, aunque esta probabilidad disminuye cada vez más. La estética de nuestro tiempo surge de un potencial cualitativa mente y cuantitativa mente mucho mas amplio, y penetra más profundamente en la sociedad entera, de una manera que con anterioridad no se ha podido observar. La evolución nos lleva por un estado intermedio de cierta libertad estética.

PHOTOGRAPHIE, ÄSTHETIK UND KYBERNETIK

http://www.phototriennale.de/content_info.php?info=p181_--art-gallery.html

„Der Übergang von dem leidenden Zustande des Empfindens zu dem tätigen des Denkens und Wollens geschieht also nicht anders als durch einen mittleren Zustand ästhetischer Freiheit. … Es gibt keinen anderen Weg, den sinnlichen Menschen vernünftig zu machen, als dass man denselben zuvor ästhetisch macht.“

Friedrich von Schiller
„Briefe über die ästhetische Erziehung des Menschen“ (1795)

Dadurch, dass sich über die Kybernetik Signalkombinationen als Träger von Informationen auswiesen, und hier auch gerade ästhetische „Signale“, war seit den 1950er Jahren die gesamte Kunst, gerade aufgrund dieser Erkenntnis, wieder in Bewegung geraten. Ein Konzept von „Stimmigkeiten“ gestaltet uns seit den 1970er Jahren eine virtuelle Raum-Zeit, in der zeitgenössische Ästhetik rationalisiert werden kann. So wurde die kybernetische Methode zu einem effizienten Hilfsmittel, Zusammenhänge und eben gerade auch Stimmigkeiten über Spezialgebiete hinaus auszuweisen: einerseits zwischen Natur- und Geistes-Wissenschaften und andererseits insbesondere auch zwischen Technik und Kunst. Da ein Bild oder eine Figur niemals ausschließlich aus seiner materiellen Masse wie Leinwand, Farbe, Holz, Stein oder Ton besteht und die Musik auch nicht über die energetischen Komponenten, wie die Windstärke die einem Blasinstrument entweicht, erfahren wird, wurde immer eindeutiger, dass wir den Zugang zur Kunst in ihren Botschaften finden. Die Kybernetik half uns also, Ästhetik und Information in einem vereinheitlichten, ebenso impliziten wie expliziten Konzept vom Stimmigkeiten zu entdecken.

Anfänglich ging es hierbei vielfach um lediglich statistische Fragen. Es ging um Komplexitäten von Informationsmustern, die Verlustschwelle von Übersichtlichkeiten darin, die Anordnung von Elementen und deren Wirksamkeit in den ästhetischen Mustern. Hinzugezogen wurde die Konfrontation der jeweiligen Empfänger mit den unterschiedlichen ästhetischen Objekten. Es wurde erkannt, das ein Kunstwerk ein Wahrnehmungsangebot, also eine Art kognitiver Nahrung für den Geist des Menschen ist und das jenseits von dekorativen oder investitionstechnischen Motiven hier die „Magie“ eines Kunstwerkes als ein rationaler Wert erkannt wurde; und auch Hoelderlin in seiner poetischen Theorie Bestätigung fand: „Wie Reichtum sind des Geistes hohe Stunden“. Diese Erkenntnis unterstrich ebenfalls, dass ein gewisser Teil an Innovation in einem Wahrnehmungsangebot enthalten sein muss, um das Interesse der Empfänger zu wecken und aufrecht zu erhalten.

Eine spätere, kybernetische Kunsttheorie wurde zu einem Fachbereich und ist aufgrund der rasanten Entwicklung in der Welt der Informatik, mit all ihren Facetten, heute zum Schlüsselfaktor zu sämtlichen gestalterischen Prozessen geworden. Wie eine dicke Gewitterwolke, ebenso wie ein kristallklarer Himmel erhob sich die Evidenz: Durch jedes Phänomen das wir empfangen oder senden, werden Verhaltensmuster aktiviert und Kunstwerke zeichnen sich dabei durch ihre besonders intensiven, und erfolgreichen wie andauernden Resonanzeffekte in der kognitiven Welt des Menschen aus. Damit wurde die Kunst letztlich als eine Aktivität definiert, die über das Prinzip der biologischen Notwendigkeit bereits schon immer originär kulturstiftend war: Kunst wird aus Freude an geistiger Aktivität ausgeübt.

Die Kybernetik trat 1968 in Form eines Buches in mein Leben, dass ich in einem modernen Antiquariat gekauft hatte: „Philosophische Probleme der modernen Naturwissenschaften“. Es enthielt alle Beiträge der legendären Moskauer Allunionskonferenz vom Oktober 1958 zu diesen Fragen. Im Vortrag zur Kybernetik fand ich sensationelle Aussagen: „Die Nervenerregung, die über die Nervenfaser übertragen wird besteht aus aufeinanderfolgenden Wechseln von Zuständen. (Absatz) Die einen oder die anderen Signale können verschieden für die Übertragung ein und derselben Mitteilung genutzt werden.“ Und weiter: „Die Kybernetik untersucht Erscheinungen, die sich in steuernden Systemen ereignen, abstrahiert in gewissem Maße von der physikalischen Natur dieser Systeme, indem sie das Allgemeine beibehält, das sie unter einem gewissen, genau bestimmten Gesichtspunkt enthalten.“ Damit hatte ich alle zentralen Aussagen zu meinen kreativen Experimenten mit der Collage und der Photographie, wie mit Installationen und auch Texten.

Dabei bleibt aber keine Theorie endgültig. Ihre Widerlegung hat die Innovation der Theorie zur Folge. Durch eine „Falsifikation“ der Theorie erfolgt ein Regress in die Nähe von anderen Wirklichkeiten. Die Forschung und ihre Erfindungen, technischer oder ästhetischer Art, sind durch ihre Kontinuität im Wandel geprägt. Hier ermöglicht die Zulassung abbildender Begriffe mit möglicherweise fließenden Grenzen, das begrifflich eindeutige, in allen Einzelheiten reproduzierbare Beschreiben, auch in unvollständig erforschten Gebieten, in welchen die Definitionsbildung notwendigerweise spekulative Elemente enthält. Sie erlauben nämlich die strenge Kennzeichnung des begrifflichen Inhalts, ohne die Bedingung scharfer Grenzziehung und durchgehender kennzeichnender Merkmale zu stellen, die in solchen Gebieten wegen der Unvollkommenheit der vorliegenden Kenntnisse oft noch unerfüllbar ist. Hierbei behauptet sich die Kunst immer stärker, als ein dem verbalen überlegenes Dialogfeld.

All diese Erkenntnisse wurden vor vielen Jahren schon prägend für meine Arbeitsweise, aber die „Schuld“ an meinen Versuchen mit der Distorsions-Photographie hatte die Hamburger Hochbahn. Genauer gesagt die Straßenbahn der Linie 11, die bei gewissen Witterungseinflüssen im vorbeifahren auf der vorn gelegenen Straße, im hinteren Wohnzimmer das Bild auf dem Fernsehschirm verzerrte. Diese Störungen provozierten einerseits Aggressionsausbrüche bei fußballbegeisterten Herren, während der Übertragung wichtiger Bundesliga- oder Weltmeisterschafts-Spiele, doch erweckten sie andererseits in mir einen ästhetischen Forschungsdrang. Eine eigene Kamera hatte ich seit 1962 und ich weiß zwar nicht mehr genau, wann ich erste Probeaufnahmen verzerrter Testbilder gemacht habe, kann mich aber genau daran erinnern, dass ich schnell das Portrait (z.B. von Nachrichtensprechern oder Ansagerinnen) als ideales Distorsions-Motiv erkannt hatte. Leider waren die Aufnahmen jedoch größtenteils wenig zufriedenstellend und das bewegte meine Eltern dazu, mich von meinen Experimente abzubringen - nicht zuletzt weil sie ja schließlich die Abzüge und die Entwicklung, also den technischen Aufwand meiner frühen, visuellen Forschungen finanzierten.

Historisch gesehen gab es ursprünglich keinen eigentlichen Unterschied zwischen Kunst, Wissenschaft und Technik. Der Begriff „techne“ umschrieb sämtliche gestalterischen Aktivitäten in der menschlichen Gesellschaft. Im Laufe der Jahrhunderte kam es jedoch zu einem formellen „Auseinanderleben“ der Disziplinen, das zu Beginn des 20. Jahrhunderts eine Wiedervereinigung auf höherer Ebene erfuhr – quasi als Negation der Negation. Um die Jahrhundertwende entstanden erste künstlerische Arbeiten, bei denen die moderne technische Welt nicht nur als Tatsache akzeptiert, sondern sogar zunehmend in den ästhetischen Ausdruck integriert wurde. Diese Einstellung äußerte sich als Erstes sehr konkret in den Bildern der Kubisten. Hundert Jahre danach wurde jetzt der selbe Schritt von einer Digitalkamera übernommen, der einst durch Maler mit ihren Pinseln Ausdruck fand. Es markiert die Distorsions-Fotografie in der Kunstgeschichte und in der Geschichte der Fotografie einen zeitverschobenen, doch parallelen und ebenso wichtigen Schritt, wie er seinerzeit in der Malerei, von zwar modernen aber immer noch herkömmlichen Darstellungen, in Richtung Kubismus vollzogen wurde. Und so kann ich etwa ein halbes Jahrhundert nach meinen ersten Versuchen, heute zufriedenstellende Ergebnisse meiner visuellen Forschungen vorstellen. Wir zeigen: Nicht weil die Elektronik da ist, gibt es die Computerkunst, sondern der Computer erlaubt fortzusetzen und weiterzuführen, was ohne ihn und seine Leistungen angefangen wurde, denn ohne PC wäre die digitale Photographie undenkbar.

Schon 1976 schrieb Ion Pascadi in der Rumänischen Rundschau: „Die modernen Kommunikations-mittel bleiben nicht ohne Einfluss auf das, was sie übertragen; das Zivilisationsbild der multiplen Vorstellungen schafft eine neue Empfindsamkeit; die Elektronik und die Kybernetik verändern nicht nur den Status der Kunstwerke, sondern manchmal sogar ihre Entstehung; die Computer erschließen noch ungeahnte Perspektiven, nicht allein für die Wiedergabe bereits vorhandener, sondern auch für die Schaffung anderer neuer Schöpfungen.“ Kreativität zeigte sich hier bereits als ein evident nicht-lineares Phänomen, das jederzeit tatsächliche Innovationen im zeitgenössischen Ausdruck der Kunst hervor-bringen kann, auch wenn die Wahrscheinlichkeit dafür immer geringer ist. Die Ästhetik unserer Tage entspringt eines qualitativ wie quantitativ wesentlich größeren Potentials und dringt tiefer in die gesamte Gesellschaft, als es je zuvor der Fall war. Geschieht der Übergang von dem leidenden Zustand des Empfindens zu dem tätigen des Denkens und Wollens also tatsächlich nicht anders als durch einen mittleren Zustand ästhetischer Freiheit … ?

Sant Joan, marzo 2011
Holger E. Dunckel

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… ÜBER DAS MEER – eine Ausstellung in Hamburg

Künstler aus Ibiza interpretieren Ramon Llull ...

Die Schriften von RAIMUNDUS LULLUS, dem renommierten Mystiker Mallorcas, wären ohne Schiffsverkehr und bis zur ersten Landung eines Flugzeuges auf Mallorca, außerhalb der Insel unbekannt geblieben. Der KULTURAUSTAUSCH erfolgte „Über das Meer“. Das Hauptwerk von Ramon Llull (1235 Palma de Mallorca – 1325 Tunis) „Ascenso y Descenso del Entendimiento“ (Das kognitive AUF und AB im menschlichen Verständnis), war eine der wichtigsten Arbeiten, um mittelalterliches Denken zu überwinden. Dieses basierte seinerzeit noch auf einer strikten Trennung von Wissen (veritas secundum rationem) und Glaube (veritas secundum fidem). Diese Doktrin wurde von Llull nicht nur abgelehnt, sondern sogar bekämpft.

Llull erklärte, alles Wahrnehmbare sei ebenso göttlich wie rational und von daher zu belegen; und auch darzustellen. Das Chaos ist eine Komposition von ursprünglicher Materie und universeller Form. Diesem Chaos entspringen alle Erscheinungsformen als Schöpfungen im eigentlichen Sinne und lassen so auf den universellen Zusammenhang schließen. Eine Denkweise die vom Physiker David Bohm, in unserer Zeit und in seiner Schrift „Wholeness and the implicate order“, in einen Kontext der Quantentheorie gehoben wurde. Diese Idee der Einheit von Geist, Wissenschaft und Natur wird in der Ausstellung auf der „Cap San Diego“ in Hamburg in zeitgenössischen, künstlerischen „Bildern“ reflektiert. Das kognitive AUF und AB bewegt sich dabei über die Medien: Stein, Flamme, Pflanze, Bestie, Mensch, Himmel, Engel und Gott. Jedem dieser Sinn-Bilder wird ein Werk, bzw. eine Werkgruppe gewidmet. Die einzelnen Arbeiten wurden von Künstlern die auf Ibiza arbeiten geschaffen. Die Luken der Cap San Diego geben mit ihren unterschiedlichen Ebenen ein Interessantes Szenarium um ein KOGNITIVES AUF UND AB ins BILD zu setzen. Das Institut Ramon Llull, als das „Goethe-Institut“ der Katalanischen Sprache (mit einer Filiale in Berlin) und der Inselrat von Ibiza unterstützen das Projekt, als einen Meilenstein im Kulturaustausch zwischen der BRD und den Balearen.

Leidenschaft, Aktion, Natur, Substanz, Zufall, Komposition, Individuum, Art, Gattung, Wesen und Konzepte wie sensibel, vorstellbar, zweifelhaft, glaubwürdig und verständlich begleiteten die Künstler, als Hinweise Ramon Lull´s bei ihrer Arbeit. Eine interessante Begegnung. Ein Treffen von mediterraner Kultur, klassischer Geisteswelt und zeitgenössischen Sichtweisen und Problemen. War die Bestie im Mittelalter noch das wilde Tier, der Löwe der sich nur als solcher wahrgenommen hatte und so als etwas eigentlich unnahbares in der Epoche Llull´s zum ersten Mal in europäischen, zoologischen Gärten an Königshöfen gefangen gehalten wurde, kann sich der Mensch inzwischen kaum erwehren, einen Rollentausch vorgenommen zu haben. Den Pflanzen, Engeln und dem Bild Gottes ist es nicht viel anders ergangen. Kunst, Künstlichkeit und Natürlichkeit formieren sich zu einem Reigen. Ausdruck, Gehör, Phantasie,Verständnis, Gesicht, Geruch, Geschmack, Gefühl - spirituell wie körperlich – treten aus alten Schriften in unsere aktuelle Gegenwart.

Das alchemistische Konzept bewegt sich auf einer „Scala Intellectus“ (die z.B. von Rafael Bujanda in Form einer Labyrinth-Installation dargestellt wird) zwischen Stein und Gott. Die Flamme lässt mysteriöse Bilder entstehen (Performance von Aida Miró), die Pflanze repräsentiert Information (Julio Bauzá mit Eisen-Kakteen), die Bestie – der Löwe – weiß nur das er sein Wesen hat ... aber er ist nicht Stein – nicht Pferd ... sondern ausschließlich Löwe. Der Mensch bewegt und unterscheidet in Sehen, sehen lassen und gesehen werden. Der Himmel ist immer neu und ursprünglich, ebenso wie begeisternd (und wie vielleicht auch die abstrakte Darstellung von Carles Guasch – Präsident des BBK von Ibiza und Formentera). Mit einer Gruppe von Engeln wird dem kürzlich verstorbenen José F. Tauste eine Hommage gestaltet (Lina Andinach und andere), mit einem Werk, das er eigentlich selbst schaffen wollte. Gott treffen wir dann in einer Art Essenz von Intelligenz, wo das Verstehen und das Verstandene (entendido y entender) zu einer multiplen Einheit werden. Diese, schon mystische Einheit findet sich wieder in den Arbeiten zwischen Resten von Technik und reiner Ästhetik („Bagaix“ - José Monerris).

Und erneut erkennen wir: … über das MEER kam die Kultur. Die Hamburg-Amerika-Linie, die Magallan-Route, Columbus und Odysseus … über das MEER nahm das BILD unserer WELT Gestalt an. So wurde sie größer und größer. Über das Meer bewegen sich noch immer die Güter. Doch nicht nur Waren. Auch: Zweifel + Motiv - Gestaltung + Zerstörung - Freundschaft + Geschäft - bewegen sich über das Meer. Hier, in unserem konkreten Fall, sollen die Reflexionen über ein recht umfangreiches Konzept, mit seinen diversen Komponenten der Geisteswelt eines Mystikers und ihre Transformation in zeitgenössische Impressionen, uns eine bisher wenig beachtete Kreativ-Welt Europas näher bringen.

Erste Kontakte mit den Schriften Ramon Llull´s soll aber bereits Klaus Störtebeker gehabt haben. Auf der von seinen Leuten gekaperten „Anna von Lübeck“, erwiesen sich einige Bücher, die ursprünglich für die Hohe Schule von Lübeck bestimmt waren, als wahrer Schatz. Außer griechischen und lateinischen Klassikern, Meister Eckehart, Albertus Magnus und Cäsarius von Heisterbach, fand der Piraten-Schiffsarzt auch Werke vom „katalanischen Mystiker und Alchemisten Raimundus Lullus“ - wie es sogar im Logbuch festgehalten worden sein soll. Nach all den Jahren gibt es jetzt erneut ein eigentlich unerwartetes Treffen mit einer anderen Zeit und einem anderen europäischen (Kunst-) Klima.

Organisiert und koordiniert wird das Projekt von zwei, auf Ibiza sehr bekannten „Ausstellungsmachern“: Rafa Alcántara und Holger E. Dunckel. Alcántara kann auf etliche Erfolge im alternativen Kunstbetrieb verweisen, von außergewöhnlichen Ausstellungen in den 90ern bis hin zur Organisation der ersten beiden „Mostras de Creativitat“ (Kulturwochen in der Altstadt von Ibiza). Dunckel hatte sich nach einer ebenso ungewöhnlichen wie erfolgreichen Ausstellung auf der Cap San Diego („Ein Kürbis voll Asche“ - 1995) der interkulturellen Arbeit auf Ibiza gewidmet. Das „Centre Cultural de Sant Joan“ gründete er vor 15 Jahren als Labor für Forschungen um und über das Konzept der Sozialen Plastik. Beide sind nicht nur als Kuratoren und Organisatoren aktiv und bekannt, sondern können ebenfalls auf ein umfangreiches, eigenes Werk verweisen. Ihre Arbeits- und Ausdrucksform repräsentiert durchaus den zeitgenössischen „Geist der Kunst“ auf den Balearen und auf diese Weise bleibt es unumgänglich, dass uns andere Sichtweisen in dieser Gesamt-Installation begegnen. Ein professionell koordiniertes Gemeinschaftsprojekt vieler beteiligter Künstler.

AUSSTELLUNG vom 16.Sept. - 10.Okt. 2010
PREVIEW: http://2010.interlacearts.com